LA EDAD MEDIA (EN EL ARTE) | 6° Temporada 2026
La Edad Media (en el Arte) es un programa audiovisual de Fundación Actual en el que el artista y crítico de arte César Gabler nos acerca a la obra y trayectoria de destacados artistas visuales chilenos de mediana carrera. Su sexta temporada reúne trece capítulos que se estrenan semanalmente desde el 24 de septiembre en el canal de YouTube de Fundación Actual.
Los artistas de esta temporada son: Adolfo Martínez, Catalina Bauer, Cecilia Avendaño, Cristóbal Cea, Daniela Pulido, Isidora Correa, Josefina Concha, Kika Mazry, Pascuala Lira, Patricia Domínguez, Patricio Kind, Paula Subercaseaux y Salvador Amenábar.
La Edad Media (en el Arte), temporada 6 es un proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes (FONDART)
Cristóbal Cea | Capítulo 07
Una cabeza de O’Higgins convertida en computador, criaturas legendarias que discuten sobre su existencia o un niño digital que intenta recordar el país en que creció. En la obra de Cristóbal Cea, la tecnología permite revisar historias que creíamos conocidas y dar forma a recuerdos que nunca terminan de estabilizarse.
Formado inicialmente en pintura, el artista trabaja con animación 3D, escultura, dibujo y transmisiones por internet. Sus medios se cruzan para abordar experiencias profundamente humanas: el contacto con otros, la soledad, la pérdida o nuestra dificultad para prestar atención en un mundo saturado de imágenes.
La historia colectiva aparece entrelazada con la biografía. El cometa Halley, la visita del Papa, el plebiscito y la llegada de la comida rápida componen una memoria de infancia en la que política, televisión y consumo resultan inseparables. Cea reconstruye ese pasado con herramientas contemporáneas y nos invita a observar cómo sus promesas, contradicciones y fantasmas siguen actuando en el presente.
Josefina Concha | Capítulo 06
Formada como pintora en la Universidad Finis Terrae, Josefina Concha pronto hizo de la costura, hasta entonces una vocación paralela, el motor esencial de su trabajo. Cambió pinceles por agujas y pintura por hilos, transformando la tela en un soporte capaz de transitar del muro al suelo y del suelo al cielo, de levitar y pesar al mismo tiempo. De ser cuadro y escultura casi al mismo tiempo
Las suyas son obras y exposiciones en las que el lenguaje textil manifiesta toda su riqueza y complejidad. Desde hace miles de años, el ser humano se ha vestido y ha habitado espacios tejidos. Telas y vestuario han sido lenguaje y abrigo; han imitado la naturaleza, imaginado signos y construidos mundos nuevos; han sido placer aristocrático, de muestra los tapices palaciegos y abrigo humilde. Esa rica tradición permanece viva en el trabajo de la artista, que combina estética, técnica y alegoría, nutriendo la obra y reflexión de la artista.
En sus obras, la naturaleza parece ser una fuente permanente de referencias e inspiración, no solo por sus formas y colores, sino también por el modo en que las piezas ocupan el espacio: como esporas, como hongos, quizás como hojas. Que invitan simultáneamente al ojo y la mano.
Patricio Kind | Capítulo 05
Color y cultura es el título de uno de los libros más importantes de John Gage. Podría ser un buen título para la obra de Patricio Kind. A lo largo de este siglo, su trabajo ha indagado en el color y la producción popular como una forma de comprenderse a sí mismo mediante las imágenes y los estímulos que dieron forma a su conciencia.
El artista se descubre a través de cómics, ilustraciones y cientos de imágenes que, reunidas, estructuran un relato capaz de ser leído como crónica generacional o balance de época. Nacido en los años ochenta, Kind da cuenta, como otros artistas de su generación, del tránsito de la dictadura a la democracia, de la cultura analógica a la digital y del riguroso blanco y negro de la televisión anterior a 1978 a los colores saturados de sus primeros años de transmisión en color.
Kind ha traducido ese universo de imágenes planas no solo mediante la gráfica y la pintura, sino también a través del objeto y, en años recientes, de la cerámica. Este último medio le permite enfrentarse sin prejuicios a la forma y el color, haciendo que su mente, sus manos y la materia dialoguen casi sin intermediarios. Y casi, porque el artista se las ingenia para incorporar la tecnología contemporánea y contaminar un medio habitualmente asociado con lo orgánico y ancestral con los mismos estímulos que han hecho de él una persona y un artista.
Isidora Correa | Capítulo 04
Dos tiempos que se unen, probablemente en uno solo, a través del rigor de la artista. En sus inicios, Isidora Correa volcó sobre los objetos una serie de operaciones formales: cortar, distribuir y clasificar productos de uso cotidiano como tazas, platos o botellas. Mediante un tratamiento casi quirúrgico, estos eran seccionados y transformados, permitiéndonos observarlos de una manera nueva. Parecían radiografías de sí mismos, esqueletos expuestos mediante un gesto tan económico como rotundo. Hizo múltiples operaciones, animadas siempre por la misma curiosidad inquieta.
Al develar su estructura y reorganizar su exhibición fuera de los estándares habituales, la artista planteaba observaciones de carácter estético y social. Releía tanto la tradición minimalista, como el Chile de la transición.
Quizás sea esa hebra política la que permite comprender la continuidad con su trabajo actual. En este, la investigación biológica y química se incorpora a obras que exponen, mediante la fotografía, el video y la instalación, el impacto de la minería en el norte de Chile. Correa escarba en el paisaje y en las formas de vida —o de muerte— que la industria va dejando a su paso.
En su trabajo, la estética y la reflexión material y científica se han fundido durante las últimas décadas para construir un cuerpo de obra que sorprende tanto por sus formas como por la profundidad de sus preguntas.
Adolfo Martínez | Capítulo 03
Solemos asociar el arte, y especialmente el de vanguardia, con las grandes ciudades: París, Nueva York, Londres. Sin embargo, algunos artistas eligen territorios e imaginarios casi opuestos. Es el caso de Adolfo Martínez, cuya obra se ha valido especialmente de materiales y escenarios profundamente vinculados con el campo y el mundo rural.
Las suyas son esculturas e instalaciones en las que, a veces, el movimiento activa dramas absurdos y profundamente existenciales. Las baquetas de un tambor o el roce de un paño contra la superficie brillante de una bota militar despiertan recuerdos y experiencias que entrañan un conocimiento histórico y social, pero también una evocación misteriosa y onírica de la realidad.
Las obras de Martínez pueden surgir de un contexto muy preciso, tanto en su origen como en su ejecución. Sin embargo, poseen una capacidad evocativa que las vuelve sugerentes y universales. Su lenguaje puede recordar a los dadaístas por su singular empleo del objeto, o a artistas que han indagado en el absurdo y el movimiento, como el suizo Jean Tinguely. No obstante, su personalísimo uso de mecanismos, formas y objetos hacen de él un artista único.
Patricia Domínguez | Capítulo 02
¿Y si el arte pudiera hablar del futuro, del cosmos y de nuestro porvenir como especie? Esa pregunta parece animar cada uno de los proyectos que Patricia Domínguez ha realizado durante la última década.
En sus obras, los lenguajes de la pintura y el dibujo se alternan con la cerámica, el objeto, la instalación y el videoarte. La artista imagina mundos posibles, a veces distópicos y otras veces cercanos a la alucinación psicodélica, y se adentra en territorios lejanos o inaccesibles para muchos espectadores, como la selva y las comunidades indígenas. El universo mágico que entrañan esos dominios dialoga con las disciplinas científicas y con algunas de las ideas más radicales acerca de los seres vivos, el ser humano y su relación con el medioambiente.
Su crítica al capitalismo y a la depredación del planeta no le impide valerse de sus propias redes de mercantilización. Así incorpora materiales brillantes y desechables que le repugnan, pero que utiliza para articular proyectos, a veces de carácter chamánico, en los que la realidad y la fantasía, la crítica y la utopía comparten un espacio dinámico y siempre desafiante para el espectador.
Daniela Pulido | Capítulo 01
Con una formación en Estados Unidos que combinó las formas tradicionales de representación con la investigación en pintura y escultura, Daniela Pulido ha desarrollado, desde su regreso a Chile, un lenguaje en el que se confrontan y sintetizan elementos casi opuestos: la funcionalidad del diseño y la exuberancia ornamental, lo maquinal y lo orgánico, lo suave y lo áspero, lo redondo y lo puntiagudo. Antinomias que alimentan un lenguaje que revisita las tradiciones geométricas y esotéricas de la abstracción.
La artista construye una obra pictórica, gráfica y escultórica que indaga tanto en nuestra espiritualidad y las formas que la han encarnado como en nuestra manera de percibir y habitar el mundo. Sus piezas pueden evocar el ámbito ritual o el doméstico, el cuerpo o las máquinas. Desde esa deliberada ambigüedad la artista ha construido una obra que transita libremente por la arquitectura, el diseño, el arte, la moda y la decoración.